古典主義鋼琴演奏風格及技巧淺析
前言：本站為你精心整理了古典主義鋼琴演奏風格及技巧淺析范文，希望能為你的創作提供參考價值，我們的客服老師可以幫助你提供個性化的參考范文，歡迎咨詢。
摘要:古典主義時期主要是從18世紀中葉開始，在工業革命、科學技術以及法國大革命的影響下歐洲各國發生較大的變化，相關的藝術不再僅僅為高層階級所欣賞，中產階級成了當下劇場和音樂會的主要觀眾。民間音樂的發展和各項器樂的涌現加深了鋼琴與古典藝術的融合，這也極大改變了人們的藝術品位，還有鋼琴在其獨有的演奏風格和技巧下，促使鋼琴古典主義音樂體系形成，其中的代表人物有海頓、莫扎特、貝多芬等。文章將根據各個代表性鋼琴音樂家的演奏，分析其具體的風格和特點，并研究演奏要點和技巧。
關鍵詞:古典主義；鋼琴；演奏風格；技巧
一、引言
在古典主義時期，人們對音樂的追求主要是理性思維方面，通過平衡情感和道德行為約束，來展現音樂獨有的情感特點，而其中的主調是運用單個曲調來當作音樂線索，并結合和弦、和聲的運用來為人們創造古典音樂。這個時候，更是奏鳴曲發展的重要階段，在其結構和演奏方式的形成后，古鋼琴逐漸被現代鋼琴所代替，運用質樸和簡潔的音樂風格，將藝術內容和演奏形式很好地融合在一起，音樂組織從水平到縱向上的時間轉換，利用多個聲調和復調旋律分解，有關和聲的運用，可以起到烘托和伴奏的作用。
這時候的鋼琴作品主要是以主調音樂為主，旋律大多比較流暢，在古典主義時期將其與主調進行有機結合，節奏感較強，且富有周期性，音樂中的矛盾更為突出，在發展的過程中，將古典主義時期幾位具有代表性的音樂家結合當下的演奏特點進行對比和統一發展。
（一）交響樂之父—海頓
古典主義時期，海頓是這時候音樂的先行者，尤其是在交響樂方面的貢獻，他的鍵盤音樂體包含小夜曲、三重奏以及奏鳴曲等，所以運用的體裁形式多，相關的音樂作品質量和數量都比較多，而其鋼琴音樂風格屬于樂觀、幽默以及大眾的，在具體的音樂結構上，利用平衡的原理，將和聲與對位進行融合，比如后來的莫扎特和貝多芬都是在海頓音樂結構的基礎上，進行鋼琴演奏。海頓的奏鳴曲系列成為現代鋼琴學生聯系和非常喜歡的一個音樂曲目。在初次聽海頓的音樂中，不會像莫扎特那樣旋律富于歌唱性，而是帶有一些樸實、幽默的特點，海頓對生活的熱愛和贊美使其奏鳴曲作品成為經典。與其他音樂家不同的地方是整個音樂在進行創作的過程中，鍵盤作品并不是總體創作的主體，它將主要的創作重點放在了交響樂和弦樂四重奏的相關創作上。在總體進行創作的過程中，現階段普遍研究認為它的大部分鍵盤作品都是為鋼琴而寫的并非是為了羽管鍵琴而寫的。雖然普遍認為當時的鋼琴聲音音質相對更加輕薄如翼，但是通過延音踏板以及強弱等各方面的細微變化，也進一步形成了獨特的古典風格，成為古典風格形成的不可或缺因素之一。在進行創作過程中，海頓的創作預示莫扎特風格的成熟，相應的作品，在進行鑒賞的過程中，初次聆聽并非如莫扎特作品一般十分動人，相反，其風格具備著較強的獨特性，有一種粗暴甚至是野性的成分，摻雜在其中。他的作品并不非常關心鋼琴方面的歌唱性，其本身創作更加致力于純正的表情，所有的鋼琴作品更加關注的是一種樸實的熱情，而且有著較為豐富的幽默感作品不注重對各類技巧的炫耀。這樣的特點也進一步形成了相對較為獨特的風格，讓其成為整個古典主義音樂之中的一朵奇葩，形成了較為獨特的風格特性。
（二）音樂家—莫扎特
莫扎特的音樂地位，主要是由其協奏曲和歌劇式交響樂而奠定的，鋼琴作品中有許多不同的奏鳴曲、幻想曲以及舞曲等，他是海頓鋼琴音樂的繼承與發展，并使得古鋼琴轉向現代鋼琴，莫扎特演奏的鋼琴曲目，含有豐富的思想情感，更貼近社會大眾。他的鋼琴演奏風格較為典雅和澄凈，且音樂較為沉緩，注重表達平和的情感，對于音質和指尖的跳動有著嚴格的控制和要求。莫扎特最與眾不同的地方在于，他宛如落入人間的精靈一般，所有的鋼琴音樂都是那么的純凈，這種純粹的感情進一步深化了鋼琴音樂的情感延伸，宛如在聊天對話一般從歡樂之中透露出不同程度的哀愁和哀傷，形成獨樹一幟的鋼琴藝術風格，為總體鋼琴藝術發展史添上了濃重的一筆。這種音樂的形式感和對稱感仿佛是與生俱來的一般，而且這種適當的均衡幾乎可以說與莫扎特本人的直覺和靈感呈現密切聯系，也與他自身的技術技巧呈現高度的關聯性。在音樂作品之中，往往對于激情表現有著獨特的表達方式，也有獨特的認知，幾乎沒有炫技的因素。他在作品中更加關注作品的親切性，因此也形成了自身獨特的曲風。除了極個別簡單的樂曲，莫扎特其余作品雖然并沒有高深的技巧，但非常注重手指觸鍵，需要極高的顆粒性。而且莫扎特奏鳴曲主題都非常富于歌唱性，這種歌唱性的主題讓奏鳴曲的表現力更加豐富，我們只有不斷加強自身音樂修養，才能正確表達出其內在的感情。
（三）天才—貝多芬
貝多芬的一生一共寫了三十多首鋼琴奏鳴曲，這些曲目里面包含了他對當時的社會、自然、歷史以及情感等經歷，作品矛盾沖突激烈，這時候興起浪漫主義音樂，使得奏鳴曲進入從發展的高峰。對貝多芬而言，他的鋼琴演奏主要是運用音樂和情感來展現鋼琴演奏的激情和戲劇化，對力度的控制和使用，多次運用極強或者極弱音，使得人們感受到強烈的情感，和音樂融為一體。此外，在個人情感的表達和旋律的運用上，受到巴赫音樂的影響，根據羽管鍵琴的演奏特點，創造一種新的演奏方法，使得音樂更加圓潤和具有質感，同時結合一些獨特的符號的使用，在演奏時注重加強對聲音的處理，從而使得鋼琴演奏更加飽滿。
（四）奏鳴曲—克列門蒂
他的創造歷程跨了較長的年代，并早在1771年就已經創造了第一個奏鳴曲，主要是受到巴赫和亨德爾這些人的影響，因此他主要是通過研究這些作品，進行音樂演奏，并使得相關的樂器使用普及開來。克列門蒂在鋼琴的演奏過程中，運用雙音、密集型音樂的分解和弦以及六和弦技術的大量運用，并運用踏板來進行演奏，使得其音樂具有很強的活力和渲染力，在演奏時增加力度，注重手指的靈活運用。
（五）鋼琴之王—車爾尼
他是貝多芬的學生，主要研究的是鋼琴教學，學生中有鋼琴之王—李斯特。車爾尼的演奏風格是依據浪漫主義風格，運用連音處理，創造出富有節奏、優美的音樂，并對音樂的強弱較為重視，還利用對指法的研究，使得手腕可以靈活地自由運用。他是維也納音樂的創始人，并留有大量的鋼琴練習冊，其主要風格不但有傳統的古典主義特征，而且對浪漫主義色彩進行延伸和發展。此外，還有四手聯彈和弦演奏、安魂曲、協奏曲等，在貝多芬的影響下，結合其個人的鋼琴演奏風格和特點，根據鋼琴演奏的不同種類和深淺，編制了許多鋼琴演奏教學資料，更是貝多芬音樂和現代鋼琴演奏的橋梁，對不同的鋼琴練習人群，分別提供了專業的練習方法。
三、鋼琴演奏要點研究
在古典時期下的鋼琴演奏，主要運用的是主調，相關的大小調被廣泛地運用到演奏過程中，而和聲水平在大幅度提高，并且以低音、和聲作為伴奏音樂。
（一）演奏方法
在鋼琴的演奏過程中，主要有四個方法：連奏、非連奏、斷奏、半跳音。1.連奏（1）手指與鋼琴不能留有間隙主要是在連奏中，對樂句感比較重視，尤其是在下鍵中，不要高抬手指，不然會影響音樂的連貫性。（2）手指不能離開琴鍵在鋼琴演奏中，鋼琴每個琴鍵發出的聲音都有維持的限定時間，特別是在同音連奏的樂段處理中，如果要想獲得很好的演奏效果，就要充分利用手腕的作用。（3）音符之間的重合在下一個音符開始后，前面的音才可以離鍵，要保證各個音符之間的重疊和銜接。2.非連奏它主要是在快節奏的跑動樂段中出現，和連奏相對比來看，對琴鍵和手指的要求不高，但必須保證音樂的連貫性，對第三關節的起落快慢，要保證下放干脆和準確。3.斷奏主要是跳音處理，不能太過急促，可依據演奏音符的二分之一為準，尤其是對一些鋼琴初學者來說，將其聲音處理得非常尖銳，這會嚴重破壞整體的音樂節奏和美感。可以運用第一關節將跳音抓準，并在演奏方法上，來提高演奏水平。4.半跳音主要是在歌唱部分或者是旋律較為緩慢地樂段中，指的是同一個連線的音符存在跳點現象，要結合手腕的力量，保證音符的間隙和連貫性。
（二）踏板
在現代鋼琴中踏板可以分為：中、左踏板以及右踏板。在不同的踏板運用中，要依據這兩個原則：第一是右踏板不要在下行的音階中使用，否則演奏出來的聲音會呈現出渾濁狀態。第二是在手指踏板的運用中，不要依賴于機械，要憑借手指的作用，它不僅可以保留長音，而且會加快其他聲音，所以要根據踏板的特點和功能，進行合理使用。1.右踏板它的使用較為頻繁，但往往會被濫用，主要有兩種：節奏和切分踏板。其中的切分踏板是在音符下去之后才可以進行更換，可以保證音符的連貫性。在貝多芬以前的時間中，人們使用的都是古鋼琴，因而對現代鋼琴具體的使用方法不熟悉，所以要保證旋律的重疊和樂段的連貫，要結合相關的演奏技巧來進行改進，并保持手指和步調一致。節奏踏板主要是在加重的音符或者是情感變化較大的地方運用到。2.左踏板在意大利語言中左踏板是一根弦的意思，三角鋼琴中的左踏板，可以使得琴鍵發生移動，因而在使用擊弦機時，不會打散整個琴弦，這樣演奏出來的聲音就會變得非常柔美，比如貝多芬的奏鳴曲中就運用到了左踏板。而對其踩踏的力度大小，對音色有著根本性的影響，聲音的柔和度會在力度加大時，聲音會越為柔和。3.中踏板它主要是用來保持在踩踏前的音符，因而具有連續性的作用，但對后續的將不再保留。這個踏板的運用較少。
（三）裝飾音
這個主要是巴洛克時期具有顯著代表的音樂風格，在發展到古典主義時期時，對其做出了調整和改變，它由顫音、波音、逆波音、回音四個部分所組成。裝飾音在古典主義時期發生的變化主要表現在這幾個方面：第一是長音符前面會有三個左右或者多個小音符，主要是由32分音符所構成，比如莫扎特的奏鳴曲當中就有這樣的。第二是在處理時，這些長音符往往會被處理成節奏正拍，將前面的音符進行提前演奏，這樣是錯誤的演奏，具體的要先將32分音符作為節奏正拍，并在其后邊使用主音。第三是32分音符可以延遲主音，比如肖邦會在樂譜上，使用斜線作為裝飾音，并將32分音符其中的首個音符與左手邊的低音位置對準。1.顫音。它是以上邊的二度音作為首個音符，當前一個旋律和這個音符相同時，可以將其放在顫音的開始位置，這樣可以保證旋律的連貫和統一。但不同的作曲家對顫音處理沒有統一的標準，需要根據自身的演奏經驗和專業水準來進行。2.波音和逆波音。它們需要跨度三個音符，當主音過大時，可以將波音延長到5個音符，但這個處理不適合逆波音，因而逆波音只能是三個音符。3.回音。它主要以上方二度音作為開始，但要彈成四個音，如果使用本音來進行，那么需要五個音。
四、技巧訓練
在古典主義鋼琴演奏中，音階和琴音是其中常見的演奏技術，而且對節拍要求較高。
（一）音階
它主要是由全音、半音以及其他音符，并依據相關的順序排列所組成的，包括三度、六度、八度等類型。通常情況下，其訓練音域在24個大小調基礎上，跨越四個八度音符，對于不同的曲調音階都有固定的方式，當出現指法錯誤時，就會影響整體演奏質量，還會導致旋律紊亂。所以在訓練中，主要是加強對指法連貫性和完整性練習在車爾尼的鋼琴練習曲目中，有些旋律速度較快，可以練習對十六音符的快速彈奏。
（二）琴音
它的音域是四個八度，而且有著明確的指法要求，將琴音和音階的訓練相比較來說，琴音相對簡單很多，主要是對和弦的分解處理，因而在訓練中要加強對琴鍵掌控和手指相關的訓練，尤其是各個手指的獨立性，對鋼琴演奏水平來說，影響較大。通過這兩個方面的訓練，可以提高演奏的水準。
五、古典主義時期鋼琴演奏的音樂特點
（一）原有的主調代替了復調
這個時期的鋼琴演奏不但延續了巴洛克的理性，并以旋律和和聲作為演奏背景，取代原有的復調，具有強烈的情感因素。這種特點在很多作品之中都有較為明顯的體現，古典主義時期或者古典主義音樂，其本質意義上所泛指的是具備經典性的和最優秀的作品，而在18世紀中下葉時期這一時間段內，很多具備代表性的音樂家及他的音樂作品都受到了法國大革命的影響，更加注重返璞歸真和返回自然的思想，音樂十分的質樸，也具備著較強的平民性特點。這樣發展的過程中，主調就代替了原本的復調音樂，這種音樂特性具備著較強的感染性，雖然古典音樂仍然離不開巴洛克時期的一系列影響，帶有著巴洛克時代的各種印記，但是在古典主義時期的總體音樂方面，以旋律與和聲背景為主體的主調音樂還是占據著一個明顯的主導地位。傳統的復調音樂開始發生了不同程度的微妙轉變，這其中的音樂方面表現形式和創作理念也發生了微妙的轉化。
（二）和聲的繼續發展
在和聲的發展過程中，主要是從主到下屬再到主要演變中，利用和聲的功能和聲調變化關系組成相關的音樂結構，在和聲的詞匯運用方面更加豐富化，并使用一些離調和轉調方法，使得和聲更具有層次和立體感。從主調代替副調音樂的相關情況來看，旋律和聲背景開始成為主體，這也就意味著在音樂結構框架方面發生了較大的改變，而和聲在這一過程中必然會得到進一步的發展，并采取不同程度的表現手法，進一步讓其旋律更加具備感染力和表現力。這種手法和相關方法加以應用之后，旋律可以變得更加立體，那么在情感表達方面也可以更加具備針對性，從而能夠取得更好的藝術效果，形成了相應的古典主義時期的音樂特色。
（三）音樂內容從宗教轉到人身上
古典主義時期的鋼琴音樂，主要是受到社會環境和啟蒙思想的影響，從原來的以宗教為主要的演奏內容，逐漸轉移到人的身上，并以人為核心，表達人們的各種情感。啟蒙主義思想的出現極大程度上讓音樂擺脫了宗教的影響，由宏觀的宗教內容開始以人為中心進行人文主義的創作，情感和人的內心表達，取代了宗教之中的神，成為音樂之中的主體和核心，也成為創作的關鍵性組成部分。這也是古典主義在不斷發展中的一大特色，能夠讓人作為主體進行相應的創作，從而形成具備獨特性和特色性的藝術形式，標志著人文主義的發展。
（四）結構形式的變化
主要表現在這幾個方面，奏鳴曲代替了一些古組和托卡他等曲目形式，形成了具有明顯的節奏感，音樂結構更細致，貼近人的情感；還有變奏曲的運用，促進了鋼琴音樂的進一步發展，使得演奏方法和情感表達上有著較大的突破。
六、結語
綜上所述，在古典主義時期，是古鋼琴到現代化鋼琴轉變的重要時期，在其間出現過許多著名的鋼琴音樂家，通過分析他們的演奏風格，可以明確這個時代鋼琴演奏的特點，并結合在演奏中的要點研究，確定具體的技巧訓練方法，從而提高鋼琴演奏水平。
參考文獻:
[1]郭穎.古典主義時期鋼琴作品的演奏風格[J].才智,2010(30):187.
[2]鄭鈺韻.淺談古典主義時期詠嘆調鋼琴伴奏的演奏技巧——以莫扎特《我親愛的寶貝》為例[J].環球市場,2019(7):205.
[3]段可佳.淺談演奏古典時期鋼琴音樂作品的技巧訓練[J].北方文學,2012.
[4]文一旋.演奏古典時期鋼琴音樂作品的技巧訓練探究[J].音樂時代,2020(5):17-18.
作者:萬莎莎 單位:江西藝術職業學院
